PINK FLOYD

Los comienzos de Pink Floyd se remontan al año 1965, cuando dos jóvenes estudiantes de la escuela politécnica de Londres que comparten el gusto por los sonidos electrónicos llamados Roger Waters y Nick Mason fundan una banda de rhythm and blues llamada Sigma-6. Este grupo va cambiando de nombres y de componentes durante un tiempo, hasta que en él entra Syd Barrett. El pone un nombre sobre la mesa: Pink Floyd Sound, el nombre lo sacó de dos viejos discos de blues que tenía en su casa uno de Pink Anderson y otro de Floyd Council. Y así es como nace una de las míticas bandas de rock sinfónico. A partir de aquí la banda ya con su formación reducida y concreta: Roger Waters bajo y voz; Nick Mason batería; Rick Winght teclados y Syd Barrett guitarra y voz. echa a andar. En 1967 la música de Pink Floyd es algo nuevo, sonidos experimentales, canciones de más de 10 minutos de duración, algo que estaba fuera de esquemas establecidos. Así en 1967 es uno de los grupos favoritos del underground londinense. En agosto de ese mismo año graban su primer Lp "The Piper at the Gates of Dawn" es tiene muy buena acogida entre la critica por lo novedoso de su música. En esta época Syd Barrett es el indiscutible líder del grupo, aunque durará poco su liderazgo ya que comienzan a ser malas sus relaciones con el resto de los componentes. En enero del 68 se incorpora a la banda David Gilmour como guitarrista, dos meses después Syd Barrett abandona el grupo cayendo en una profunda enfermedad mental que lo dejara fuera del mundo real. Fuera Barrett, Roger Waters se erige como líder del grupo y lo lleva a sus mas altas cumbres, si hasta ese momento Syd lo había compuesto absolutamente todo a partir ahí es Waters el que toma las riendas de la composición y crea obras muy interesantes, siendo también pioneros en la multimedia musical, colaboran en bandas sonoras de películas y algunas las hacen ellos por entero: "More", "La Vallée"... En 1973 lanzan al mercado "The Dark Side Of The Moon" impresionante trabajo que a su vez les lanza a ellos en Estados Unidos logrando el impensable record de estar 740 semanas en la lista americana desde 1973 hasta 1988.
The Dark Side of the Moon es el resultado de la evolución que Pink Floyd llevó a cabo tras realizar un magistral cambio de rumbo con la publicación de Meddle en 1971. Este magnífico Meddle sirvió de catarsis para que los cuatro componenentes se desprendiesen de sus miedos creativos y se dejasen llevar por la experimentación pura como unidad indivisible. El resultado fue el disco más experimental y cohesionado de la banda (y uno de los más experimentales de la historia del rock), ya que los cuatro componentes participaron en la creación y producción de las canciones, (aunque todas las letras salieron de la increíble mente de Roger Watters). Roger Waters centró la temática de esta gran obra en el peligro que todos tenemos para caer en la locura, ya que el hombre moderno es asediado incesablemente por la guerra, la violencia, el tiempo, el dinero, la toma de decisiones, la muerte... Toda esta temática, a parte de verse reflejada en la lírica del álbum, también se refleja mediante los sonidos que encontramos en el mismo, por poner un ejemplo, en la pista nº 3 (On the Run) podemos escuchar a un avión estrellándose que representa el miedo a volar, la pista nº 4 (Time) empieza con el sonido de cientos de relojes que nos recuerda nuestra finita vida, la pista nº 5 (The grat gig in the sky) nos muestra musicalmente los lamentos por la muerte y en la pista nº 6 (la archiconocida Money) es una ironía al poder del dinero. A nivel puramente musical, Dark side of the Moon supuso un punto de inflexión en la historia de las técnicas de producción y grabación, ya que se introdujeron por primera vez sintetizadores (On the Run se considera la primera pieza electrónica de la historia del rock) que se mezclaron con “loops” superpuestos de sonidos cotidianos y voces para poder complementar a los instrumentos clásicos (guitarra, bajo y percusión). Todo ello se llevó a cabo bajo la magistral batuta de uno de los productores /ingenieros de sonido mas prestigiosos e innovadores de la historia de la música moderna : Alan Parsons.Treinta y cinco años después de su publicación, Dark Side of the Moon sigue siendo uno de los trabajos más representativos e innovadores de la historia del rock y, con permiso de Wish You Where Here, posiblemente el mejor trabajo de Pink Floyd.
Después vendrían "Whis you were here" "Animals" hasta que en 1979 llega "The Wall" la genial obra maestra de Roger Waters. Después de la resaca de "The Wall" Pink Floyd se duerme en sus laureles como grupo y sus componentes hacen cosas por su cuenta puesto que ven pronta la desaparición de la banda. Es Rick Winght el que da el primer paso y abandona la banda a la vez que Gilmour hace un disco con Kate Bush y Nick Mason publica uno junto a Carla Bley, por su parte Waters esta con el proyecto de hacer una película acerca de El Muro, finalmente estrenada en 1982. Y llega el ultimo álbum con Waters en el grupo y con el llegan las desavenencias y los ataques y contraataques entre los componentes. Roger Waters quiere dar como finalizado el nombre de la banda, los otros dos miembros quieren seguir sin Waters, son ellos al final quien ganan después de estar en los tribunales. En 1987 retorna el grupo, pero es un retorno fallido. Falta la creatividad de Waters, sin ella el grupo no es ni su sombra y aunque se ayudan con un grandioso espectáculo de luz y de color, musicalmente les falta algo. Finalmente Winght vuelve a la banda y sacan a la luz " A Momentary lapse of reason" un buen trabajo pero mediocre si lo comparamos con cualquiera de los anteriores. Uno de sus trabajos "Rarities" recoge fragmentos de grabación y experiencias sónicas muy interesantes. Creo que pertenece a él el fragmento que escuchamos en clase.

http://dontkillthemuzic.obolog.com/pink-floyd-the-dark-side-the-moon-187933

Catàleg PRIMERA RÈPLICA

edició de so i creativitat

Un petit recull dels diàlegs figurats entre en Toni Soler i el mestre dels tècnics de so creatius Víctor Oller utilitzant talls de veu del president Pujol, al programa de ràdio Minoria Absoluta, i també una mica d'Oscars...

KODO-TEATRO DE LA LABORAL (GIJÓN 04-07-2009)

Kodo presentó por primera vez en su gira europea, One Earth Tour, su último espectáculo, Ekkyo: Trans-border. En Barcelona lo presentaron el 6/11. El colectivo Kodo, formado en 1981, viven, entrenan y practican las artes tradicionales de su país. Originarios de la isla japonesa de Sado, utilizan principalmente el taiko o tambor como elemento transmisor. Mediante su estudio desean preservar la música japonesa tradicional y promover nuevos valores artísticos. Estos tambores, emiten sonidos que simbolizan la naturaleza. En su nueva obra, Kodo se ha inspirado en el libro de historia más antiguo de su tierra, Nihon-shoki, siendo su primera bailarina, Chieko Kojima, la estrella pero no la protagonista absoluta. En Japón se llama Taiko al tambor, sin importar su origen, forma o material. En general, están formados por dos caras de cuero que son fijadas por remaches, o se estiran mediante hilos. En los pequeños, no se toca en las dos caras. En los grandes se tocan ambas caras, a veces entre muchos percusionistas. Taiko significa también latido del corazón. Suena parecido al corazón fetal. Por eso uno de sus significados es "niño del tambor". Kodo ha buscado este efecto, tocando de forma simple. El sonido, tan intenso que en cierta manera enajena, nos deja en manos de una emoción tan esencial como la sugerida por el latido de nuestro corazón. Junto al uso guerrero de los tambores taiko en el Japón antiguo, estos instrumentos también establecieron una fuerte influencia en el estilo de música de corte conocida como Gagaku, el cual es uno de los más viejos estilos musicales de corte.
El taiko actual fue establecido en 1951 por Daihachi Oguchi, quien formó el primer ensamble de taiko moderno referido como kumi-daiko y de empezó la popularidad moderna de los conciertos de taiko. Daihachi Oguchi fue primero conocido por sus intepretaciones. Para su idea de reunir un conjunto de tambores japoneses, se inspiró en la batería de jazz, juntando tambores de varios tamaños, formas y tonalidades.
La percusión tradicional japonesa ha ido estableciendo contacto con otras músicas generando trabajos muy interesantes, como el que aparece en.
http://www.kunkunshi.blogspot.com/

Dos documentals sobre Cage

Dos documentals sobre Cage penjats a a www.ubu.com

micropaisaje...

Leonardo Fibonacci había decidido tomar los números empezando por el uno; sumando cada número al precedente, produjo una cadena numérica de interesantes propiedades. Es decir, uno más cero da uno; uno más uno, dos; dos más uno, tres; tres más dos, cinco; cinco más tres, ocho... y así sucesivamente.

Fibonacci, que había estudiado con los árabes, que creían que todos los números tenían propiedades mágicas, era una especie de místico. Descubrió que la fórmula que describía la relación entre cada uno de sus números —que era la mitad de la raíz cuadrada de cinco menos uno: ½( -1) — describía también la estructura de todas las cosas naturales que formaban una espiral.

Según el libro de Nim, los botánicos descubrieron pronto que todas las plantas cuyos pétalos o tallos eran espiralados, se conformaban según los números Fibonacci. Los biólogos sabían que la concha del nautilus y todas las formas espiraladas de la vida marina seguían ese modelo. Los astrónomos afirmaban que las relaciones de planetas en el sistema solar—incluida la forma de la Vía Láctea— eran descritas por los números Fibonacci. ... esta pequeña fórmula no había sido inventada por Fibonacci sino que un tipo llamado Pitágoras la había descubierto dos mil años antes. Los griegos la llamaban aurio sectio: la sección áurea.

Dicho en palabras sencillas, la sección áurea describe cualquier punto de una línea en que el radio de la parte menor respecto de la mayor, es igual al radio de la parte mayor respecto de toda la línea. Las civilizaciones antiguas utilizaban este radio en arquitectura, pintura y música. Platón y Aristóteles consideraban que era la relación perfecta para determinar si algo es estéticamente Sello. Pero para Pitágoras significaba mucho más.

Pitágoras era un tipo cuya devoción al misticismo hacía aparecer como un patzer hasta al propio Fibonacci. Los griegos lo llamaban Pitágoras de Samos porque había llegado a Crotona desde la isla de Samos, huyendo de conflictos políticos. Pero había nacido en Tiro, una ciudad de la antigua Fenicia—ese país que ahora llamamos Líbano—, y había viajado mucho, vivió veintiún años en Egipto y otros doce en Mesopotamia y llegó a Crotona con cincuenta años más que cumplidos. Allí fundó una sociedad mística, disfrazada apenas de escuela, donde sus estudiantes aprendían los secretos que él había desvelado en sus vagabundeos. Estos secretos se centraban en dos cosas: las matemáticas y la música.

Fue Pitágoras quien descubrió que la base de la escala musical occidental es la octava, porque una cuerda dividida por la mitad daría el mismo sonido exactamente ocho tonos más alto que una cuerda del doble de largo. La frecuencia de vibración de una cuerda es inversamente proporcional a su longitud. Uno de sus secretos era que un quinto musical (cinco notas diatónicas, o la sección áurea de una octava) debía regresar a la nota original ocho octavas más alta cuando se la repetía doce veces en una secuencia ascendente. Pero cuando lo probó, había una diferencia de un octavo de nota... de modo que la escala ascendente también era una espiral.Pero el mayor de los secretos era la teoría pitagórica de que el universo está formado por números y que cada uno de esos números tienepropiedades divinas. Estas proporciones mágicas de los números aparecían por todas partes en la naturaleza, incluyendo —según Pitágoras—los sonidos emitidos por los planetas en vibración mientras se trasladaban por el vacío negro. «Hay geometría en el canturreo de las cuerdas—dijo—. Hay música en el espacio que separa las esferas.»

Katherine Neville.- El ocho.
Ediciones B. Barcelona. 1990.

DAYS OFF SOUND (edició del 2008)

Penjo per a qui li pugui interessar informació sobre unes jornades de creacions artístiques entorn el so, dutes a terme a la ciutat de Porto (Portugal) ara ja fa gairebé un any a l'espai PLANO B.

Durant tres dies varen tenir lloc diverses propostes i instal·lacions (en relació amb la dansa, la música experimental i sobretot l'art sonor...), algunes d'elles molt interessants. Us penjo fotos d'una instal·lació sonora "LA VERDAD CODIFICADA" de Román Perona a la que vaig assistir i participar. Breument, consisteix en dotar a l'espectador d'un llàpis i d'una llibreta en blanc on hi ha una còpia de l'abecedari traduït al Codi Morse. Tothom que vulgui participar és convidat a seure i a escoltar un missatge gravat en Codi Morse que va sonant a l'espera de que algún dels assistents el pugui desxifrar amb la informació donada a la llibreta.
Va ser una experiència molt interessant i frustrant alhora ja que tot i tenir les eines necessàries, es feia gairebé impossible entendre el què es deia en el missatge. Un cas en el que el pròpi llenguatge (entenen el codi Morse com un codi més de llenguatge) esdevé el contrari a allò pel que és creat, esdevé enemic de la comunicació, l'impossibilita.


Mireu el video de la instal·lació aquí:

http://www.youtube.com/watch?v=1t6GcTWFtiA

ENTREVISTA A CARLES SANTOS

http://www.vilaweb.tv/?video=5868

Performances.

http://www.youtube.com/watch?v=mDgF9ep2Vus&feature=player_embedded#at=76

http://www.youtube.com/watch?v=taBAtxasWto&NR=1

Su idea, crear una especie de caja magica donde las performances y la audiencia se mezclaran. Donde todo pudiera ocurrir, sin entender, solo sentir los diferentes estimulos, visuales, sonoros o plasticos.

curiosos instrumentos.

Web donde puenden cureosear una serie de curiosos instrumentos a base de diversos materiales y objetos de la vida cotidiana.

Creados por Les Luthiers, grupo de artistas, musicos humoritas.

http://www.lesluthiers.com/frame_instrumentos.htm

http://www.lesluthiers.com/frame_instrumentos.htm

Micro-instalación

micropaisaje

TXALAPARTA

http://video.google.es/videosearch?hl=es&source=hp&q=kepa%20junkera%20etxea&um=1&ie=UTF-8&sa=N&tab=wv#q=kepa+junkera+TXALAPARTA&hl=es&view=2&emb=0

http://video.google.es/videosearch?q=TXALAPARTA&hl=es&emb=0&aq=f#

¿Qué conocemos fuera de Euzkadi que tenga que ver con la Txalaparta? Los etnomusicólogos denominan bastones de ritmo a un tipo de instrumento caracterizado por la manera vertical de tocar o percutir, relacionado casi siempre con el trabajo. Tienen bastantes aspectos comunes con la Txalaparta. En Nueva Zelanda, Australia, Islas de Melanesia, existen bastones de ritmo, con un uso, esencialmente mágico y religioso, como los cantos de molienda. En este caso, el instrumento es una caña de bambú hueca, llena de partículas diversas que es percutido contra el suelo o contra el tronco de un árbol, un mortero o una piedra. Estos distintos modos de percusión permiten obtener colores sonoros de una gran variedad y hacen suponer que el bastón de ritmo pueda haber dado origen al tambor de madera. La práctica consiste en sostener un bastón en cada mano y golpear rítmicamente. También se incluyen en el grupo de instrumentos llamados “pateadores” En ellos, el tambor de tablas es un foso cavado en el suelo y cubierto con una tosca tapa de corteza. En algunas civilizaciones el pozo es reemplazado por otro recurso: las mujeres patean sobre una tabla cóncava de modo que quede una cavidad sonora debajo o sobre una vasija invertida. Los bastones de ritmo son generalmente manejados por mujeres. Y siempre están relacionados con ritos de fertilidad. Las sacerdotisas de Borneo rezan todas las mañanas y por las tardes al terminar la cosecha, mientras dos tubos son golpeados sobre una estera según el ritmo tradicional. En las Islas Celebes tres o a veces cinco jovencitas vuelven al hogar al atardecer del día del sacrificio por la cosecha, golpeando el suelo con tubos llenos de semillas y cantando "¡Golpead, oh amigas, pues contemplamos, contemplamos al suplicante, suplicante arroz tierno!" En relación con los rituales del arroz, en Malasia, cuando se descascara el arroz fresco, el golpeteo alcanza su efecto máximo en el mortero golpeado. En un tronco de madera tendido sobre el piso se practica una serie de orificios de tamaño diferente, dentro de los cuales, como si fueran morteros, se vierte el arroz, que es machacado con mazas por una fila de mujeres. El sonido difiere según la profundidad de los distintos orificios, y el machaqueo produce una sinfonía polirrítmica y politónica, que un poeta nativo describe con la adorable onomatopeya "tingtang tutang-gulan gondang". (En el caso de la Txalaparta, también tiene su denominación: Txakun taxan txakun). Además, la txalaparta es un instrumento de " música trabajo” que parece estar relacionado con el trabajo de limpieza de la tobera de la fragua y de ahí el nombre que recibe uno de los tocadores "pikatzailea" que es el que con sus golpes hace que se suelte la suciedad del tubo. Txalaparta-trabajo-fiesta, están muy relacionados en cuanto a que las "tocatas" solían darse en muchos casos en las fiestas de culminación del trabajo como la elaboración de la sidra y de la cal.

¿Está ligada la Txalaparta a la fiesta de la sidra? La fiesta consistía en hacer una cena más o menos especial según las posibilidades del momento. Unas veces cenaban bacalao y otras sardinas viejas. Pero lo que no faltaba era la sidra y según se iban "templando" surgían las ganas de tocar la Txalaparta, hasta que alguno decía ¡Txalaparta jo behar dugu! ¡Toquemos la Txalaparta! Y cogiendo los elementos necesarios que la componen, la montaban en el exterior, generalmente junto a la puerta. Comenzaba la segunda parte de una fiesta muy especial, en la que participaban tanto los comensales como todos los que al oír la Txalaparta se animaban a acudir. Era norma que a la gente que acudiera se le invitara a sidra. Habiendo elegido, mientras golpeaban la manzana el tablón que usarían para tocar, ponían este a secar en el tejado para que tuviera mejor sonido. Los vecinos se fijaban, sabiendo de esta forma que pronto tendrían fiesta. Venían de los caseríos de los alrededores, hasta de una distancia de cinco kilómetros, que era desde la que se podía escuchar el toque. La época en la que se realiza todo esto que es octubre-noviembre. Aparecen constantes como fiesta (por supuesto fiesta abierta), noche (es curioso que no aparece de día) y como elemento musical de la fiesta acompañada de gritos y saltos. No se recoge ningún dato de danza, aunque su ritmo sea tan propio para ello. Posiblemente sirviera en épocas anteriores para bailar

¿Cómo es físicamente la Txalaparta?. Primero veamos cómo es la Txalaparta clásica: dos soportes (cestos, sillas, banquetas, etc...), sobre estos algún material aislante (hoja de maíz, sacos viejos enrollados, hierba seca, etc...) y sobre esto un tablón que es golpeado con cuatro palos (dos cada Txalapartari). Las maderas más utilizadas para el tablón han sido el "aliso" (altza), "Fresno"(lizarra),"castaño" (gaztaiondo) y otras del país. Actualmente se utilizan diferentes tipos de soportes capaces de soportar varios tablones. Como aislante se utilizan correas de cuero y otros materiales, goma-espuma, fajos de caña, etc.

¿Cómo nos acercaríamos al "txa kun"? Lo fundamental de la Txalaparta es su estructura rítmica, su musica y no los componentes que la forman. La utilización de más tablones amplía la gama de timbres. Va de un comienzo lento a un final rápido. Puede combinarse también la distancia entre las personas que la tocan.

Esquema 1 de golpes" Esquema 2 de golpes"

Esquema de tres golpes

Podemos conseguir "errenas" (golpes solos) de timbres mezclados al golpear al unísono con los dos palos dos tablones distintos. Puede utilizarse también el "txa kun" (dos golpes), el tu ku tun (de tres golpes).

El "txa kun" doble: lo mismo que hacíamos con el "errena" permite golpear al unísono con los dos palos. Lo podemos hacer con cada uno de los dos golpes del "txa kun" y si a partir de ahí los abrimos nos queda un grupo de cuatro golpes al que denominamos "ta ka ta ka"

Otra posibilidad es que dentro de cada grupo de golpes, txakun, tu ku tun, ta ka ta ka, evitemos alguno de ellos con lo que se consigue, una sensación y desequilibrio grande. El mayor cambio es romper de manera brusca con lo que estaba sonando creando una gran tensión. Se comienza por abrir un son un txakun y completar el "compás" con un "errena" con lo que queda un "hiruko".

Nos ofrece también las posibilidades de que, el que toca el "errena" introduzca otro golpe en medio de los dos del "txa-kun".

Juan Mari Beltran, ha sido uno de los que revivio la txalaparta gracias la transmisión de los hermanos Zuaznabar y Goikoetxea, ya que hace mas de 30 años, estuvo a punto de desaparecer. El dúo de gemelas Ttukunak y Oreka se han convertido en los referentes que dan a conocer este instrumento. Ttukunak ha llevado la txalaparta por todo el mundo. La escuela de Hernani ( Guipuzcoa ) ha sido una cuna de txalapartaris, donde han salido Harkaitz ( Kepa Junkera, Oreka Tx ), Felipe ( Hermanos Ugarte ), Sergio Zuratean, Luis de pablo, Edu Muruamendiaraz ... Allí se celebra cada año la Txalaparta festa, que congrega a txalapartaris de todo el Pais Vasco y otros puntos de España y el extranjero. Hay otros puntos del País Vasco de donde han salido y siguen saliendo Txalapartaris talentosos como Hondarribia ( Fuenterrabia ), y otras zonas de Vizcaya.

Cartografia de Rastres Sexuals

He fet una cartografia de la Zona Universitaria nostra, i els ratres sexuals que hi ha a les matinades després dels actes nocturns.

LLIMAC AMB BOTES

PETIT TRUE

El so natural de la pluja

Un paisatge sonor de la pluja simulat per una coral de música, mitjançant el clapping i altres tècniques de so corporal, un vídeo molt interessant:

publicar un arxiu de paisatge sonor

Per publicar un arxiu de paisatge sonor a la web www.paisatgesonor.com
hem creat un usuari col.lectiu per a tots els alumnes de l'assignatura.
La forma que teniu d'afegir nous arxius des de qualsevol ordinador passa per carregar l'arxiu en mp3 i omplir la fitxa amb totes les dades i geolocalitzar-lo. L'aplicació per a trobar ell lloc és el propi googlemaps, així que no hi tindreu cap problema. La base de dades del Projecte d'Enregistrament del Paisatge Sonor de Catalunya, és una base de dades compartida amb la pàgina col.laborativa d'Escoltar.cat. Gràcies a la cessió dels seus recurso tecnològics 2.0, tots vosaltres podeu carregar els arxius en la base de dades i aquests apareixeran publicats a la pàgina de la UB. Per què això sigui possible heu d'accedir al portal Escoltar.cat amb les dades que el Dr.Cerdà us facilitarà.

Cal que entreu a Escoltar.cat i us hi identifiqueu, aleshores, diu Benvingut/da laboratori!
i a la columna de la dreta feu clic a la secció escoltar.cat, una vegada aquí ja veureu la pestanya que diu "afegir un nou so" i se us obrirà la fitxa per omplir i carregar el so.

Evidentment, us preguem que respecteu els arxius que hagin penjat els vostres companys de classe, i que a l'inici de la descripció indiqueu el vostre nom.

Comportamientos y estados de la materia prima: el sonido

El desarrollo de la asignatura pronto me hizo ver la necesidad de analizar las características físicas del sonido para poder experimentar con sus posibilidades.

Me podria alargar mucho, pues el tema es apasionante, y mucho más apasionante se vuelve como más uno va descubriendo y atando cabos. Pero voy a intentar sintetizarlo en plan esquemático, aunque algo caótico, desordenado e incompleto también.

1. INFO BÁSICA GENERAL

No está de más empezar en plan básico...

El sonido es energia sin materia, y tiene unas propiedades y unas características determinadas.

http://www.lpi.tel.uva.es/~nacho/docencia/ing_ond_1/trabajos_05_06/io2/public_html/sonido.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Sonido

Para echarte una idea sobre esas posibilidades y características, busca información en internet sobre la acústica (por ejemplo: http://es.wikipedia.org/wiki/Acústica#Ramas ).

2. VISUALIZAR EL SONIDO

El sonido genera ondas que pueden ser visualizadas de diferentes maneras. Por ejemplo si pones un recipiente con agua encima de un altavoz potente.

Por ejemplo (un ejemplo tonto):

http://www.youtube.com/watch?v=vIpnkqEDaUA&feature=related

Chaldni fue un cientifico loco de esos y entre otras cosas se le considera más o menos uno de los padres de la acústica. En tiempos de Napoleón descubrió un modo de visualizar el sonido: con un arco de violín hacía vibrar unas placas metálicas con un poco de arena fina encima. La arena se desplaza en las zonas en que no hay vibraciones, dibujando las ondas.

Aqui podeis ver una buena explicación y ejemplos en video (os lo recomiendo);

http://www.dfists.ua.es/experiencias_de_fisica/index08.html

Hoy en dia es más eficaz utilizar un motor acústico y un generador de frecuencias, es decir, hacer vibrar la placa con la energia del altavoz en vez de con el arco de violin.

Os dejo un par de videos, en este se puede ver primero como vibra con el arco y luego con un generador de frecuencias.

 

Este otro es más artistico:

Os dejo un link con las instrucciones para montar una de estas placas;

http://www.instructables.com/id/Mechanical-Wave-Driver-for-Chladni-Plate/

También un video con instrucciones de un sistema alternativo aunque similar.

Y otras instrucciones alternativas. Sirve compararlas porque ayuda a captar mejor el funcionamiento: http://www.make-digital.com/make/vol16/?pg=128

Para buscar más de esto en internet o youtube buscad sobre "figuras de chladni", o"cymatica".

Tambien en fuego. Si se aplica el mismo generador de frecuencias con motor en un tubo de gas perforado, se pueden visualizar las ondas en las llamas:

3. LOS POSIBLES ESTADOS DEL SONIDO

Así como podemos tratar diferente el agua, el hielo y el vapor, podemos tratar el sonido en estado físico acústico, mecánico o eléctrico, y podemos transformar la energia acústica en mecánica y ésta en eléctrica, y al revés. És decir, comprender el camino que recorre un sonido cuando entra por el micro y se registra en el ordenador, o al revés; que sucede para que al darle al play al mp3 suene sonido real en el auricular o en el altavoz. Al comprender mejor esas transformaciones podemos intervenir en ellas.

Construir un altavoz es muy sencillo. Se genera el sonido y se amplifica.

Para generar el sonido basta con enrollar el cable que sale del mp3 creando una resistencia, sobre la que se pone un iman. La resistencia crea diferentes polos según la señal que recibe (del mp3) y vibra. Esta vibración crea el sonido.

Asi se pasa de la energia electrica a la mecánica y de ésta a la acústica.

Luego amplificamos ese sonido (será muy débil) con cajas de resonacia (una cajita, un vaso de plástico o papel, ...) y tenemos altavoz. Parece que no sirva de mucho, porque tenemos altavoces muy baratos en las tiendas, pero ayuda a comprender el proceso para descubrir nuevas posibilidades.

En youtube hay muchos videos explicativos para altavoces caseros o homemade speakers.

Una vez generado el sonido, éste viaja distinto a traves de gas, solido, etc, ofreciendo diferentes posibilidades en el según las propiedades de la materia por la que recorre.

4. INDUCTOR DE ESTADOS DE ÁNIMO. DROGAS AUDIBLES

Alterando las ondas podemos crear combinaciones de frecuencias capaces de transformar y alterar el ánimo. Existen usos "politicamente correctos" como por ejemplo para concentrarse mejor o relajarse un poco y otros no tanto, como por ejemplo "dosis" de audio que producen efectos similares a drogas tales como la marihuana, el LSD, speed u otras.

No es broma, os dejo un link de venta de dosis audibles; (no compreis, las hay gratis, y aun así os aconsejo que os informéis minimamente antes de ponerse a escucharlo)

http://i-doser.com/

Se llaman binaural beats y se consiguen mediante un conjunto de frecuencias concretas enviadas de manera desigual por la salida de los dos auriculares (se debe escuchar en auriculares). Aqui os dejo una explicación; http://en.wikipedia.org/wiki/Binaural_beat , ésta es de wikipedia, pero las hay mucho mejores.

Tambien os dejo un link de un compañero de clase sobre una toma de audio binaural, pero en plan más artístico y documental, con ambiciones holofónicas (sonido en 3D);

http://laboratoridelcaos.blogspot.com/search/label/BINAURAL

5. FRECUENCIAS Y SONIDO ESTACIONARIO

La radio es un invento genial, presiento que nos puede ser muy útil en la creación de paisajes sonoros, por sus posibilidades de creación, transmisión y recepción de frecuencias.

Para introducirnos al juego que éste campo nos ofrece podemos empezar por construir un theremin casero con tres radios am.

Para ver las posibilidades del instrumento Theremin, ver esta delicia de video;

Deepak Chopra es un médico, gurú, escritor, etc que trabaja con la espiritualidad y el poder de la mente en la curación médica. Está influenciado por las enseñanzas de escrituras tradicionales indias como el Ayurveda, corriente tradicional de la medicina india, los Vedanta, el Bhagavad Gita y también por la física cuántica. Este libro explica de una manera sencilla y sorprendente la sincronía en la vida, partiendo de la naturaleza, los animales y es una guía para poder ser concientes de ella en nuestra vida.

Si habeis ido a las jornadas de arte y ciencia y quereis echarle un vistazo al libro vereis como tiene muchas similitudes con el trabajo de Marysol G. Sterling.

“Las coincidencias dirigen y dan forma a nuestras vidas. Vivimos experimentando sucesos increíbles o asombrosos. Nuestro auto se descompone en una carretera desierta y el primer vehículo que pasa es una grúa. ¿Es posible considerar estos momentos como meras coincidencias? Por supuesto que sí, pero en un análisis más detallado también podemos decir que son atisbos de lo milagroso. No creo en las coincidencias sin sentidos; creo que cada coincidencia es un mensaje, una pista sobre un aspecto particular de nuestras vidas que requiere atención”. Deepak Chopra.

¿PAISAJE SONORO?

Trevor Whisart define paisaje sonoro como la fuente imaginaria de los sonidos percibidos que recrea un ambiente real o irreal. En este video, Xavier Alcácer genera un ambiente sonoro manipulable por el espectador. Mediante un panel de control se pueden activar distintas cajas sonoras con sonidos diferenciados por la fricción entre materiales y el motor de las lijadoras orbitales que contienen. Dichas cajas están suspendidas del techo y con activaciones prolongadas oscilan debido al sistema de anclajes y el movimiento rotatorio de las máquinas. Las cajas contienen una lijadora -o varias- con cepillos metálicos acoplados a la base. Estos cepillos rozan sobre plancha de zinc y crean distintos sonidos dependiendo del tipo de cepillo utilizado.
http://vimeo.com/344814

Theo Deutinger, mapamundis guerrillers

• Recopilació (des d'una pàgina externa) de mapes d'en Theo Deutinger: http://shloky.com/?p=1900
• Web del propi autor: http://td-architects.eu/ (tot i que és un pèl més difícil de navegar, s'hi poden trobar alguns mapes més, a l'apartat "SNGOs")

Val la pena llegir l'explicació de cada mapa. I per descomptat veure'ls tots...

MICROINSTAL·LACIÓ

CARTOGRAFIA sonora

http://www.youtube.com/watch?v=ipzR9bhei_o
http://www.youtube.com/watch?v=asDXpfFMKNA

Cartografies en el IES Joanot Martorell

Cartografías en el IES Joannot Martorell

Durante la primera semana de Marzo de 2007 catarQsis viaja a BCN para colaborar con Projecte3***La idea era ir configurando entre tod*s el lugar idóneo para la colocación del futuro módulo. Para ello hicimos unas derivas por el instituto con distintas narrativas fotografiadas y más tarde un taller de cartografías.En el taller se les daba a l*s estudiantes por grupos papelitos de colores que representarían distintos parámetros que ell*s mismos elegirían. Una vez elegidos los parámetros se sitúaban en los distintos espacios del instituto.Las cartografías resultantes fueron las cuatro pequeñas de abajo.Ésta es una mezcla de las cuatro.

Administradores
José Daniel Campos María García Carlos Gor

:: contacto ::
catarqsis@gmail.com

Cartografias

Cartografías
Esta es la cartografía resultante de las derivas fotográficas semi-dirigidas por el instituto:3

Esta es la cartografía resultante del taller de cartografías, pasada a limpio:2

Y esta es la mezcla de las dos, donde se puede ver las relaciones entre los parámetros conscientes de representación del espacio del instituto y unas percepciones por áreas más subjetivas:1

CARTOGRAFIA Juan Luis MORAZA

Exposición temporal
Incógnitas. Cartografías del arte contemporáneo en Euskadi
06 julio 2007 - 23 septiembre 2007
Introducción
"Uno no hereda la tierra de sus antepasados, la toma prestada de sus descendientes" (Proverbio masai).
La exposición Incógnitas contiene una serie de sistemas gráficos que incluyen incidencias y sugerencias antropológicas y estéticas que permiten realizar una interpretación del arte contemporáneo en Euskadi. Se trata, pues, del ensayo provisional de un mapa, de un despliegue visual de esquemas de los que partir para desarrollos ulteriores, organizando factores, variables, autores, obras y lugares significativos, acontecimientos paralelos (políticos, sociales, tecnológicos, culturales, mediáticos), interacciones y posibilidades, genealogías, contextos de producción, referencias y evoluciones, intentando transmitir algo de la sutileza, la intensidad y la complejidad del artista en el contexto vasco; algo de la diversidad generacional, estilística, ideológica; algo del propio laberinto contextual en el que surge.
Descripción
La exposición Incógnitas contiene una serie de sistemas gráficos que incluyen incidencias y sugerencias antropológicas y estéticas que permiten realizar una interpretación del arte contemporáneo en Euskadi. Se trata, pues, del ensayo provisional de un mapa, de un despliegue visual de esquemas de los que partir para desarrollos ulteriores, organizando factores, variables, autores, obras y lugares significativos, acontecimientos paralelos (políticos, sociales, tecnológicos, culturales, mediáticos), interacciones y posibilidades, genealogías, contextos de producción, referencias y evoluciones, intentando transmitir algo de la sutileza, la intensidad y la complejidad del artista en el contexto vasco; algo de la diversidad generacional, estilística, ideológica; algo del propio laberinto contextual en el que surge.
Los artistas vivos son los protagonistas activos de un momento crucial, el tránsito vertiginoso de lo moderno a lo contemporáneo, de la era de la producción industrial a la era de la gestión de servicios, de la era de lo local a lo global, de la ideología a la economía, de la responsabilidad al interés, de la linealidad a la complejidad... Ésta es, por eso, una exposición sobre ese límite generacional.
Incógnitas es la exposición-ensayo de una cartografía del arte contemporáneo en el País Vasco realizada para el Museo Guggenheim Bilbao por el artista Juan Luis Moraza entre abril y junio de 2007. Para su realización se ha contado con los datos obtenidos a partir de un intenso cuestionario, propuesto el pasado mes de mayo de 2007, a 120 artistas de cuatro generaciones (nacidos antes de 1945, nacidos entre 1946 y 1960, nacidos entre 1961 y 1975, y nacidos a partir de 1976).
I. ESCUELA VASCA. La constitución de una identidad En la primera mitad del Sgl. XX, la vanguardia en Euskadi habrá encontrado protagonistas en Balenciaga, Lekuona y Oteiza, aunque fuera trastornada por una guerra civíl y por una dictadura que provocó exilios y fracturas irreparables. El retorno de Oteiza y su implicación junto con el arquitecto Oiza en el proyecto para la basílica de Aránzazu, comenzado en 1950, supuso el inicio de un grupo de trabajo al que fueron sumándose los años siguientes Basterretxea, Pascual de Lara, Agustín Ibarrola, Chillida y finalmente Lucio Muñoz, constituyendo un cierto registro estilístico que acabaría condensándose en 1966 en la llamada "Escuela Vasca": Los "grupos" GAUR, EMEN, ORAIN, fueron un intento de articular la vanguardia artística con una clara voluntad política antifranquista de reivindicación nacional.
(x) puesta en crisis / heterogeneidad / deconstrucción El tránsito entre la V y la VI Asamblea de ETA, su devenir militar, su primer atentado mortal en 1968, las profundas crisis industriales, la violencia y la represión cívica en las fases terminales de franquismo, coincidirá con el surgimiento de una nueva generación de artistas, que adoptarán una fuerte voluntad vanguardista y política, pero desde una perspectiva más autocritica y desligada de una búsqueda de identidad nacional. La celebración de los Encuentros de Pamplona en 1972 supusieron además la entrada en el contexto vasco-navarro de información de primera mano del arte de vanguardia internacional, que produjo nuevas inquietudes entre los artistas jóvenes incitándoles de nuevo a una mirada más global. De estas nuevas inquietudes surgirán grupos como SUE (1969), Indar (1970), Ikutze (1973), Pamplona Ciudad (1976), EAE (1980), más preocupados por la razón estética vanguardista a partir de la cual adoptar una posición crítica frente a la realidad. Otro acontecimiento fundamental en este cambio generacional será la apertura de la Escuela Superior de Bellas Artes de Bilbao en 1970, convertida en Facultad de Bellas Artes en 1979. Las coincidencias generacionales en el seno de la Escuela, la conciencia de la necesidad de información exterior, se sumaron a las anteriores inquietudes provocando una transformación profunda en los modos de elaboración artística, perfectamente visible en las exposiciones que se fueron realizando al final de la década de los 70 y principios de los 80. La muerte de Franco, la transición democrática, el aperturismo, produjeron una puntualidad creciente en la información del contexto artístico interncacional y una intensidad en las propuestas estéticas.
II. NUEVA ESCULTURA VASCA. Una identificación externa Del crisol de la generación del 68, surgirá en 1978 un nuevo flujo de artistas que adoptarán el influjo del arte conceptual y del minimalismo para poner en crisis el desgaste de los postulados estéticos e ideológicos del movimiento moderno y particularmente de la Escuela Vasca. No obstante, su aparición en el contexto nacional e internacional se produjo en un clima asociado al desarrollo del Estado de las Autonomías, ampliamente necesitadas de legitimidad cultural, por lo que de forma inmediata los agentes culturales fueron corroborando la existencia de grupos generacionales asociados a contextos regionales: Nuevo Arte Gallego, Nueva Escultura Valenciana, Nuevo Arte Andaluz, y de forma específica, Nueva Escultura Vasca, término acuñado a partir de la exposición Mitos y delitos (Txomin Badiola, Angel Bados, J,R.S. Morquillas, y CVA -Mª Luisa Fernández y Juan Luis Moraza) en Barcelona (Sala Metronom, 1985), a pesar de que esta identificación externa fuese totalmente ajena a las inquietudes y objetivos deconstructivos de sus representantes.
(y) diversificación / normalización / internacionalizaciónEn 1987 se inaugura en San Sebastián ARTELEKU, Centro de Formación y Producción que completará la formación de la nueva generación de artistas en su mayoría ya surgidos de la nueva Universidad del País Vasco (y de sus planes de intercambio Erasmus, Séneca, etc.), donde los jóvenes artistas de la generación anterior tendrán un lugar privilegiado de transmisión. Los cambios sociales y económicos en Euskadi, el final del desmantelamiento industrial generalizado y el comienzo de una nueva economía de servicios, la apertura del Museo Guggenheim Bilbao y los cambios derivados en el tejido urbano y financiero, la profusión de nuevas estructuras de gestión cultural, las facilidades de intercambio, el aumento de las estancias prolongadas de artistas en el extranjero, añadirán una perspectiva global a los nuevos jóvenes artistas vascos, produciéndose progresivamente un proceso de normalización e internacionalización.

CARTOGRAFIA Juan Luis MORAZA

uno no hereda la tierra de sus antepasados la toma prestada de sus descendientes
Este jueves 5 de julio, mañana, se inaugura en el Museo Guggenheim Bilbao la exposición “Incógnitas. Cartografía del arte contemporáneo en Euskadi” que se califica como una expo-ensayo o expo-documental comisariada por el artista Juan Luis Moraza. Es una de las dos expos que van a tener lugar este año en el museo de titanio a raiz de su X aniversario . Y para variar, a la inauguración de estas expos, por lo menos a la de Moraza, sí se invita a los agentes del arte de Euskadi. Y es que hasta ahora la política del museo autista era la de ahorrar en invitaciones y tan sólo invitar a los “impresicindibles” (su patronos, empresas e inistituciones que invierten y sustentan el gran museo). Parece que han ampliado su mailing. Y acudiremos, claro. Genera morbo el ver esa cartografía de cuatro generaciones del arte en Euskadi y genera cierta confiaza que Moraza haya sido el impulsor. Es el resultado de una ardua (aunque rápida) investigación de Moraza que ha realizado multitud de custionarios y entrevistas artistas, curators y demás agentes del arte para dibujar esta genealogía. Y luego, en octubre, Rosa Martinez aterrizará en la franquicia bilbaína con “Cada uno a su gusto” y presentará a una docena de artistas que mostrarán obras realizadas específicamente para esta ocasión. Hay quién piensa mal y dice que el prefacio de Moraza ha sido un parche para contentar a las malaslenguas y susceptibilidades despiertas a raiz de la expo comisariada por Martinez. Bueno, veremos.